Первые слова, произносимые в кинотеатре: «Подожди, подожди, ты еще ничего не слышал» (Подожди, подожди, ты еще ничего не слышал). Фильм: "Певец джаза", 1927, реж. Алан Кросленд
В 1927 году вышел первый полнометражный звуковой фильм «Певец джаза». Он выпущен компанией Warner Brothers и снят по технологии «Витафон», т.е звук записывается не на саму кассету, а на грампластинку. Warner Bros переборщили, потратили огромную сумму денег и поставили под угрозу свое благополучие. Не ожидали качественной системы синхронного воспроизведения изображения и звука. Объективно говоря, технологически они даже отставали от своих конкурентов, потому что компания Fox уже владела технологией качественной звукозаписи на пленку. Но именно Warner Bros смогли пожинать первые плоды последующего роста звукового кино. Сам по себе «Певец джаза» — фильм не звуковой, а немой. В нем были только отдельные номера серий с музыкальным сопровождением. Но революционным для истории кино стало то, что впервые в фильме появились не только звуки музыки и звуки, но и человеческие диалоги. И этот диалог все изменил... Девять месяцев спустя Warner Bros выпустила первый звуковой фильм «Огни Нью-Йорка).
Последний кинотеатр в США без синхронного воспроизведения звука исчез в 1934 году. Киноиндустрии потребовалось 7 лет, чтобы окончательно перестроиться и перейти на звук. Причина столь длительного переходного периода не столько в технических ограничениях, сколько в финансовых затратах кинотеатров на приобретение оборудования и обучение персонала. В этот период многие задавались вопросом, нужен ли вообще кинематографу переход на звук. Ведь немое кино было в то время в расцвете сил, а конец 1910-х и 1920-е годы заслуженно считались «золотым веком» немого кино. Но звуковое кино по-прежнему пользовалось бешеной популярностью у зрителей. И профессиональной киносреде пришлось перестроиться.Как мы писали ранее, кино уже в то время виртуозно освоило приемы монтажа, приобрело масштабность и динамичность. А одновременная запись звука и изображения ставила кинематографистов перед техническими ограничениями, которые уже были преодолены немым кино. Чтобы снять звуковой фильм, кинематографистам пришлось пожертвовать многими другими аспектами кинематографа.
Во-первых, работа самой камеры была шумной, звук камеры мы слышим на всех старых кассетах. Чтобы свести к минимуму этот шум, камера была зафиксирована в одной точке. Их даже поместили в специальную стеклянную будку, чтобы минимизировать шум.
Во-вторых, необходимость записывать звук непосредственно во время съемки вернула съемку на природе в студии. Любая видеосъемка на открытом воздухе осложняется шумом природы и уличного движения, и на заре звукового кино не знали, как минимизировать эти звуки.
В-третьих, актеры должны были стоять как можно ближе к микрофонам. Поэтому даже простое движение актеров во время разговора было крайне ограничено.
В-четвертых, возможности монтажа были очень ограничены, синхронизация записей была в то время очень хрупкой субстанцией. Диалоги и музыкальные номера записывались в один кадр и в один план. Сводить звук при монтаже было очень сложно, поэтому эпизоды нужно было записывать максимально корректно прямо во время записи. Для первых звуковых фильмов характерно обилие очень длинных одномерных эпизодов. Эти технические проблемы со временем были решены и даже стали основой для формирования новых художественных решений в кинематографе. И здесь звуковое кино сыграло поистине роковую роль — это система изобразительно-выразительных средств игрового кино. Конечно, изменились требования к актерам и их способностям.
Давайте вернемся в прошлое и проясним, что требуется от актеров немого кино. Когда кино только зарождалось, требований к актерам не было вообще.
Обратите внимание: Жак Неккер: последний шанс избежать революции.
Так братья Люмьер снимали себя (например, в фильме «Завтрак младенца» 1895 года мы видим семью Огюста Люмьера), прохожих на улице и случайных людей. Долгое время стать актером можно было, только проявив желание играть. По мере того как кино усложнялось и переросло из набора отснятых движущихся образов в постановочный сюжет, в кино стали приглашать театральных актеров. Театральные актеры вошли в мир кино с неохотой - они не считали кино искусством, к тому же эта деятельность была не очень прибыльной.Так или иначе, но первыми актерами кино стали театральные актеры. Их игра, как и сами кинопостановки, поначалу ничем не отличались от театральных представлений. В кино не было крупных планов и в основном от актеров требовалось только одно – активно двигаться, сильно жестикулировать и корчить гримасы. Со временем развилась кинематография и появилось нечто несвойственное театру — крупные планы. Теперь актерам предстояло научиться выражать эмоции персонажа на их лицах. Актерам требовалась более тщательная проработка картины. А вместе с этим лица актеров стали узнаваемы среди зрителей, появились звезды кино. После славы киноактеры получали большую зарплату. «Золотой век» немого кино характеризуется созданием кинообразов. Так Чарли Чаплин выстроил известный образ персонажа-бродяги, подкрепленный характерной мимикой, костюмом и походкой. Бастер Китон, в свою очередь, построил свой образ на контрасте – в отличие от преувеличенной мимики, характерной для персонажей немых фильмов, его лицо оставалось равнодушным в любой трагической и комической ситуации. Киногерои стали менее суетливы в кадре. Однако избыточность пластики и мимики осталась у персонажей немого кино, выработанная для адекватного и понятного выражения мыслей и чувств персонажей. Важнейшим для эпохи немого кино было движение, ведь кино воспринималось именно как «движущиеся картинки». Многие актеры немого кино были, по большому счету, акробатами - постоянно проделывали всевозможные трюки. А потом появилось звуковое кино, где мысли и чувства не надо было тонко изображать телом, а требовалось произносить соответствующие слова к мыслям и чувствам. Многие звезды немого кино, актеры и режиссеры в одночасье лишились работы, потому что не смогли соответствовать новым требованиям художественного выражения (этой теме посвящен оскароносный фильм «Артист» 2011 г.).Звуковые фильмы требовали от актеров умения говорить, петь и танцевать, ведь первые звуковые фильмы были только музыкальными произведениями. На смену эксцентричным немым комедиям пришли музыкальные номера - какофония музыки, слов и звуков изначально была довольно продолжительной (В Голливуде до 1980-х существовала особая категория "музыкальных звезд". Актеры, такие как Мэрилин Монро, Фрэнк Синатра, Барбра Стрейзанд, Дебби Рейнольдс, Лайза Миннелли, Джуди Гарланд, Элвис Пресли, Фред Астер и многие другие построили свою карьеру на умении петь). Развитие звукового кино уменьшило яркую эмоциональную выразительность немых персонажей. Игра становилась все тоньше и тоньше, сегодня актеры не закатывают глаза и не размахивают руками, чтобы выразить страх (если это не комедия) — зрители понимают эмоции, просто следя за микромимикой, микродвижениями персонажей и следуя за эмоциональное настроение в фоновой музыке. Актерская игра стала ориентироваться на реализм.
Звуковое кино не только добавило диалога к существующей системе выразительности, оно полностью изменило язык кино — в фильме появились новые темы, новые изобразительные приемы, новые выразительные средства. Более того, со звуком пришла «наука» об отношениях между изображением и звуком. Стало ясно, что зрители воспринимают звук и изображение как единое целое, что с помощью такого сочетания можно достичь новых высот в вовлечении зрителей в происходящее и сильнее воздействовать на них. Кинематографисты поняли, что звук может не только дополнять изображение, но и менять его смысл. И, наконец, звуковое кино сыграло значительную роль в киноиндустрии, лишив ее универсальности. Если немое кино можно было свободно продавать и покупать во всем мире, то звуковое кино наталкивалось на языковой барьер: поначалу голливудские студии дошли до того, что снимали параллельно 3 языковые версии фильма. Перед камерой сначала разыгрывался эпизод с англоязычными актерами, затем их место заняли франкоговорящие актеры, а за ними сцену разыгрывали актеры, говорившие по-немецки. Но это была, конечно, дорогостоящая затея, и киностудии быстро придумали внедрять в процесс кинопроизводства такие технологии, как дубляж и субтитры.
Даже сегодня языковой барьер является важным фактором в кинопрокате. Снятый на самом универсальном современном языке, английском, имеет гораздо больше шансов на успех. Фильм, снятый на другом языке, должен иметь как минимум английские субтитры. По этой же причине на экранах современных кинотеатров редко показывают мюзиклы — для глобального мирового кинорынка музыкальные проекты слишком дороги, длинны и сложны (переводчики, певцы, звукорежиссёры каждой национальной версии должны работать на высшем уровне, чтобы максимально передать оригинальную неискаженную версию фильма).
Больше интересных статей здесь: История.
Источник статьи: Последний кинотеатр в США без синхронного воспроизведения звука исчез к 1934 году.